Ximo & David_Always and Forever (Pat Metheny)

8 de marzo de 2017 § Deja un comentario

Sí, esto es un quinteto!

25 de noviembre de 2016 § Deja un comentario

Idle Moments (Blue Note 1965)

1 de octubre de 2014 § Deja un comentario

GRANT GREEN, jazz guitar… desde el mágico 12 de abril 2014 q no escribía en este “mi espacio” y por tanto me veo obligado a volver sobre el concepto inicial y abundar en mis preferencias. Así… mi instrumento preferido, el orden cronológico y un claro componente diferenciador: calidad, carisma y elección. Un guitarrista de los más grandes con un pasado controvertido y un legado brillante, este es Grant Green. Desgraciadamente Nueva York se le quedó pronto pequeño mientras su adicción a la heroína le dominaba (la moda del momento). En 1966 rompía su amorío con Blue Note. Grant fue fiel al caballo pero infiel al sello q se lo había dado todo. Como consecuencia de esta situación grabó varios trabajos para otros sellos como Verve o CTI… su gran lealtad al vicio le pasaría factura y entre 1967 y 1969 desaparecía de la escena para intentar desintoxicarse. Finalmente en 1979 dijo basta, Grant nos dejó a los 48 tras una envidiable carrera que de no ser por su perversa actitud hacia la droga hubiese sido un referente absoluto (más absoluto) en la historia del Jazz… destacaré “idle moments” en formación con Joe Henderson, Bobby Hutcheson, Duke Person Bob Cranshaw y Al Harewood. LISTEN!

grant green idle

grant green blues

grant green street of dreams

grant green man attraction

grant green lighthouse

grant green hold your hand

grant green beautiful

grant green born

grant green matador

grant green talkin

grant green mozambique

grant green first

grant green grantstand

grant green latin

grant green the spirit

grant green west

Editada su amplia obra casi exclusivamente en Blue Note Records, Green se aproximó tanto al hard bop como al soul jazz, bebop y latin jazz a lo largo de su carrera. Los críticos Michael Erlewine y Ron Wynn consideran que, aunque fue severamente infravalorado en vida, Green es uno de los grandes guitarristas, con un toque inmediatamente reconocible, en una medida superior a la de probablemente cualquier otro guitarrista.

Green nació el 6 de junio de 1935 en San Luis. Su primera actuación como profesional se produjo a los 13 años. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker, y su primer estilo fue el boogie-woogie, antes de llegar al jazz. Su primera grabación en San Luis fue con el saxo tenor Jimmy Forrest para la compañía Delmark. El batería de la orquesta era Elvin Jones, más adelante acompañante de John Coltrane. Grant grabaría de nuevo con Elvin a comienzos de los sesenta. Lou Donaldson descubrió a Grant tocando en un bar en San Luis. Tras realizar una gira junto a él, Grant llegó a Nueva York entre 1959 y 1960.

Lou Donaldson presentó a Grant a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado con Grant que, antes que probarlo como acompañante, como era lo habitual en el sello, Lion lo situó para grabar como líder, estatus que se mantuvo con pocas excepciones durante los años sesenta. De 1961 a 1965 Grant se convirtió en uno de los músicos con mayor número de grabaciones para la compañía. Su primer disco como líder fue Grant’s First Stand. El mismo año publicó Green Street y Grantstand. Al tiempo, acompañaba a otros músicos de Blue Note, entre los que se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, y organistas como Larry Young. Grant fue elegido como la mejor estrella emergente en la encuesta entre los críticos de Down Beat en 1962. Como consecuencia de ello, su popularidad se extendió más allá de Nueva York.

Sunday Mornin’ , The Latin Bit y Feelin’ the Spirit son todos ellos ejemplos de discos conceptuales, cada uno con un estilo diferente: Gospel, Latín and espiritual. Grant trabajó siempre el éxito comercial con el éxito artísticos, como es el caso de Idle Moments (1963), acompañado de Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y de Solid (1964), con la sección rítmica de Coltrane, ambos discos considerados como de las mejores obras de Grant. Muchas de las grabaciones del guitarrista no fueron editadas en vida, como es el caso de Matador, en la que Grant está acompañado otra vez por la sección rítmica de Coltrane, y una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark.

En 1966 Grant abandonó Blue Note y grabó para otros sellos, entre ellos Verve. Entre 1967 y 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales y a los efectos de su adicción a la heroína. Durante ese periodo, Wes Montgomery consiguió un gran éxito y George Benson se convirtió en una prometedora estrella; los dos reflejan influencias estilísticas de Green.

En 1969 Grant regresó con un grupo con influencias funk. Sus grabaciones de este periodo incluyen la comercialmente exitosa Green is Beautiful y la banda sonora de la película The Final Comedown. Grant abandonó Blue Note otra vez en 1974 y sus grabaciones siguientes son consideradas habitualmente como comerciales.

Grant estuvo a lo largo de 1978 en muchas ocasiones en el hospital y frente al consejo médico salió de él para conseguir sanear su economía. Cuando estaba en Nueva York tocando junto a George Benson, murió tras sufrir un ataque al corazón en el interior de su coche el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de San Luis; tuvo seis hijos.

es.wikipedia.org

 

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois — playing in the ’50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson — until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It’s all blues, anyhow.”

During the early ’60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-’60s, but came back strong in the late ’60s and ’70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the ’60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late ’70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green’s playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green’s playing is immediately recognizable — perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation’s premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early ’60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green’s work can be found there.

Idle Moments… this languid, seductive gem may well be Grant Green’s greatest moment on record. Right from the opening bars of the classic title cut, Idle Moments is immediately ingratiating and accessible, featuring some of Green’s most stylish straight jazz playing. Whether he’s running warm (pianist Duke Pearson’s “Idle Moments”), cool (the Modern Jazz Quartet’s “Django”), or a bit more up-tempo (Pearson’s “Nomad,” his own “Jean de Fleur”), Green treats the material with the graceful elegance that was the hallmark of his best hard bop sessions, and that quality achieves its fullest expression here. He’s helped by an ensemble that, as a sextet, is slightly larger and fuller-sounding than usual, and there’s plenty of room for solo explorations on the four extended pieces. Pearson’s touch on the piano is typically warm, while two players best known on Blue Note for their modernist dates mellow out a bit — the cool shimmer of Bobby Hutcherson’s vibes is a marvelously effective addition to the atmosphere, while Joe Henderson plays with a husky, almost Ike Quebec-like breathiness. That cushion of support helps spur Green to some of the loveliest, most intimate performances of his career — no matter what the tempo, it’s as if his guitar is whispering secrets in your ear. It’s especially true on the dreamy title track, though: a gorgeous, caressing, near-15-minute excursion that drifts softly along like a warm, starry summer night. Even more than the two-disc set The Complete Quartets With Sonny Clark, Idle Moments is the essential first Green purchase, and some of the finest guitar jazz of the hard bop era.

allmusic.com

Speaking Of Now (Warner Bros 2002)

8 de febrero de 2014 § 2 comentarios

PAT METHENY… la guitarra de mi vida! Representa el nivel más alto de compromiso en un instrumento y lo demuestra con su “inmersión” en cualquiera de los proyectos en los q se ve envuelto o lidera. La primera vez q sentí su energía cerca de mi fue en un festival de verano en el Jardín de los Viveros en Valencia (1987); acompañado por una banda brutal con Lyle Mays, Steve Rodby, Paul Wertico, Armando Marçal, Mark Ledford… otro nivel. Aparecieron por detrás del público con su estruendo de percusión y por los pasillos laterales llegaron hasta el escenario para comenzar un concierto q grabó en mi cabezota una noche irrepetible, UAU!!!

Pat empezó a tocar la trompeta a los 8 años por influencia de su hermano Mike Metheny, pero se cambió a la guitarra a los 12. Recibió una beca para estudiar música en la University of Miami, y posteriormente en Boston, donde llegó a ser profesor de la Berklee College of Music y dió clases a alumnos como Mike Stern o Al DiMeola. Allí conoce a Gary Burton que le incorporó a su banda durante 3 años. Pat Metheny ha seguido redefiniendo el género usando nuevas tecnologías y trabajando constantemente para evolucionar el potencial de su instrumento.

En 1976, edita su primer álbum instrumental, Bright Size Life con el genial Jaco Pastorius, reinventando el tradicional sonido de guitarra de jazz. Un año más tarde conoce a Lyle Mays con el que tras grabar un disco, decide montar un grupo: Pat Metheny Group.

Con los años, ha tocado con artistas tan diversos como Antonio Carlos Jobim, Ornette Coleman, Herbie Hancock, John Scofield, Jim Hall, Michael Brecker, Milton Nascimento, Toots Thielemans, Enrique Morente, David Bowie  o Carlos Santana. Ha formado equipo con el teclista Lyle Mays durante más de veinte años… una asociación que ha sido comparada a la deLennon con McCartney y a la de Duke Ellington con Billy Strayhorn por los críticos y oyentes.

Pat Metheny ha sido un verdadero pionero en el ámbito de la música electrónica, y fue uno de los primeros músicos de jazz en usar el sintetizador como un instrumento musical. Años antes de la invención de la tecnología MIDI, Metheny usaba la Synclavier como herramienta de composición. También ha participado en el desarrollo de varios nuevos tipos de guitarras, como la guitarra acústica soprano, la “Pikasso” de 42 cuerdas, su guitarra de jazz Ibanez PM-100, y una variedad de instrumentos personalizados.

Metheny ha ganado innumerables premios y reconocimientos. Tres discos de platino por “Still Life (Talking)”,“Letter from Home” y “Secret Story”. También ha ganado 17 Grammy repartidos en diferentes categorías, incluyendo mejor álbum de rock instrumental, mejor disco de jazz contemporáneo, mejor solo de jazz instrumental y mejor composición instrumental. Con el Pat Metheny Group ganó siete consecutivos.

Este verano (junio 2014) lo tendremos muy cerca de nosotros en el Festival de la Guitarra de Córdoba, un lujazo. Apúntate!!!

Destacaré “As it is”. LISTEN!

Testimonio fotográfico de Jose Horna

RoundWeb16San Sebastian - Donostia Jazz Festival 2007Pat Metheny, Larry GrenadierSan Sebastian - Donostia Jazz Festival 2007Pat Metheny, Larry GrenadierMetheny_HadenVi09_01

 

Portadas de mi colección…

pat metheny speaking

pat metheny 80 81 pat metheny about pat metheny all the things pat metheny chautauqua pat metheny circle pat metheny day trip pat metheny falcon pat metheny garage pat metheny group pat metheny haden pat metheny hall pat metheny imaginary
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pat metheny travels pat metheny trio 99 pat metheny unity pat metheny upojenie pat metheny watercolors pat metheny way pat metheny we live here pat metheny wichita pat metheny

Su último disco “KIN”…pat metheny kin

One of the most original guitarists from the ’80s onward (he is instantly recognizable), Pat Metheny is a chance-taking player who has gained great popularity but also taken some wild left turns. His records with the Pat Metheny Group are difficult to describe (folk-jazz? mood music?) but manage to be both accessible and original, stretching the boundaries of jazz and making Metheny famous enough that he could perform whatever type of music he wanted without losing his audience.

Metheny (whose older brother is the trumpeter Mike Metheny) started on guitar when he was 13. His talent developed quickly; he taught at both the University of Miami and Berklee while he was a teenager, and made his recording debut with Paul Bley and Jaco Pastorius in 1974. He spent an important period (1974-1977) with Gary Burton’s group, met keyboardist Lyle Mays, and in 1978 formed his group, which originally featured Mays, bassistMark Egan, and drummer Dan Gottlieb. Within a short period he was ECM’s top artist and one of the most popular of all jazzmen, selling out stadiums.Metheny mostly avoided playing predictable music, and his freelance projects were always quite interesting. His 1980 album 80/81 featured Dewey Redmanand Mike Brecker in a post-bop quintet; he teamed up with Charlie Hadenand Billy Higgins on a trio date in 1983; and two years later recorded the very outside Song X with Ornette Coleman.Metheny’s other projects away from the group have included a sideman recording with Sonny Rollins; a 1990 tour withHerbie Hancock in a quartet; a trio album with Dave Holland and Roy Haynes, and a collaboration (and tour) withJoshua Redman.

Although his 1994 recording Zero Tolerance for Silence baffled his audience,Metheny retained his popularity as a consistently creative performer. In addition to recording for ECM, he has appeared as a leader on the Geffen, Warner Bros., and Nonesuch labels. Metheny has remained active in the 21st century, releasing Speaking of Now in 2002, the acoustic solo album One Quiet Night in 2003, Way Up in 2005, and Metheny Mehldau in 2006.Metheny and pianist Brad Mehldau returned to the studio the following year for Quartet. Metheny released the trio album Day Trip in 2008. Orchestrion, which featured a solo Metheny playing several acoustic instruments designed and built for him by Eric Singer, appeared from Nonesuch early in 2010.Metheny released What’s It All About in June of 2011, his second solo acoustic guitar recording. Unlike any other entry in his large catalog, the set was comprised entirely of covers of pop songs by contemporary songwriters (from Paul Simon and Lennon and McCartney to Antonio Carlos Jobim, Burt Bacharach, and Hal David) who have continued to hold meaning for him throughout his career.

Metheny released Unity Band with saxophonist Chris Potter, drummerAntonio Sanchez, and bassist Ben Williams in June of 2012. In August the promised live The Orchestrion Project was released; it was a CD and DVD document of the one-man tour with the symphonic machine in 2010-2011. The guitarist made a compelling and independent left turn in the spring of 2013 in performing the work of composer John Zorn on Tap: John Zorn’s Book of Angels, Vol. 20 on the Tzadik (owned by the composer) and Nonesuch labels simultaneously. Metheny’s Unity Group continued to tour, and in 2013 reentered the studio. Kin, their second offering, was released in February of 2014.

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Quiet (Verve 1996)

24 de junio de 2013 § Deja un comentario

JOHN SCOFIELD… tenía q elegir a un Juan ilustre para hoy; festividad de San Juan… aunq soy poco santero, es pretexto ideal para justificar una entrada interesante. Scofield es mi Juan de jazz favorito; ha ocupado un lugar preferencial tanto en mis gustos musicales como en el terreno emocional pues compartía su arte peculiar con mi gran amigo Javier Miquel Font q nos dejó demasiado pronto y con quien pasé intensos momentos de compresión musical… “Mona” vives fuerte en mi recuerdo!

John Scofield no tiene “peros” fue uno de los elegidos por Miles, toca la guitarra con un sello propio reconocible y extensible con ese “toque” de distorsión q le identifica. Ha buceado en estilos: funk, blues, gospel, es un monstruo de siete cabezas… comenzó con los más grandes (Mulligan, Baker, Mingus, Burton, Davis…) y nunca perdió el tren de la innovación. Actualmente él es el referente! Difícil es la selección de un solo tema en este caso. Destacaré “hold that thought” acompañado por Steve Swallow, Bill Stewart, Wayne Shorter, Randy Brecker… LISTEN!

scofield quiet

Su primer disco scofieldscofield flat scofield go go scofield still warm scofield who scofield works

Su último disco

scofield uberjam

One of the “big three” of current jazz guitarists (along with Pat Metheny and Bill Frisell), John Scofield’s influence grew in the ’90s and continued into the 21st century. Possessor of a very distinctive rock-oriented sound that is often a bit distorted, Scofield is a masterful jazz improviser whose music generally falls somewhere between post-bop, fusion, and soul-jazz. He started on guitar while at high school in Connecticut, and from 1970-1973 Scofield studied at Berklee and played in the Boston area. After recording with Gerry Mulligan and Chet Baker at Carnegie Hall, Scofield was a member of the Billy Cobham-George Duke band for two years. In 1977 he recorded with Charles Mingus, and later joined the Gary Burton quartet and Dave Liebman’s quintet. His own early sessions as a leader were funk-oriented. During 1982-1985 Scofield toured the world and recorded with Miles Davis. Since that time he has led his own groups, played with Bass Desires, and recorded frequently as a leader for Verve, Emarcy, Gramavision, and Blue Note, using such major players as Charlie Haden, Jack DeJohnette, Joe Lovano,Eddie Harris, and a host of others. Scofield started a long-term relationship with the Verve label in 1996 with his acoustic album Quiet. He cut the funky A Go Go with Medeski, Martin & Wood in 1997, while 2000’s Bump featured members of Sex Mob, Soul Coughing, and Deep Banana Blackout. Released in 2001,Works for Me featured a more traditional jazz sound, but for 2002’sUberjam and 2003’s Up All Night he was back to playing fusion. Drummer Bill Stewart and bassist Steve Swallow rounded out the John Scofield Trio for 2004’s cerebral and complex live album EnRoute. In 2005, Scofield paid tribute to legendary soul man Ray Charles withThat’s What I Say. He featured a number of guest vocalist/musicians, including Dr. John, Warren Haynes, and Mavis Staples. In 2007, Scofield released his debut for Emarcy, This Meets That. Once again, the set was theme-related and featured the guitarist in the company of a large horn section — winds as well as brass and reeds — playing original compositions as well as those from the rock and pop vernacular. Two of the more radical offerings on the album were the completely rearranged jazz-rock versions of Charlie Rich’s “Behind Closed Doors” and the Rolling Stones’ “(I Can’t Get No) Satisfaction.”Scofield took another left turn on 2009’s Piety Street. He hired Jon Cleary on keys, ex-Meters bassist George Porter, and drummer Ricky Fataar to play on a set of spirituals and gospel tunes, all done in a grooved-out soul-jazz manner. In 2010, he was the featured soloist on the Metropole Orkest’s Emarcy date 54. Scofield returned to a theme-based format for his next date for the label, A Moment’s Peace, a collection of ballads that ran the gamut from Gershwin to the Beatles, and included some original compositions. The set, which was released in September of 2011, featured the guitarist in the company of drummer Brian Blade, organist Larry Goldings, and bassist Scott Colley. Also in 2011, MSMW Live: In Case the World Changes Its Mind was released by Indirecto Records. The double-length set is culled from the Medeski, Scofield, Martin & Wood 2006 world tour; its contents reflect material off Scofield’s A Go Go and the MSMW studio offering Out Louder. http://www.allmusic.com

Public Acces (GRP 1989)

23 de mayo de 2013 § Deja un comentario

Steve Khan… una guitarra de fusion bien acompañada. Siempre me han fascinado los “tarareos” melódicos con punto latino y base percusiva como los inventados por Weather Report y repetidos hasta lo sublime por Zawinul. Su representante máximo en la tierra es sin duda Manolo Badrena y la formación que lo ratifica Eyewitness con Anthony Jackson y Steve Jordan (o Dave Weckel)… aquí empezó mi interés por Khan, más tarde  con la intervención de Patitucci, DeJhonette o Dennis Chambers toca los timbres más sensibles de la “mezcla” en el jazz actual. También especial atención en la parte artística para las “cover” de sus trabajos (Casa Loco, Borrowed Time, Got my Mental…). Destacaré el tema “mambosa” LISTEN!

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steve khan crossings steve khan eyewitness steve khan lets call steve khan loco steve khan my mental steve khan partida steve khan playa steve khan prado verde steve khan suitecase steve khan tiempo prestado

The son of lyricist Sammy Cahn, Steve Khan is best-known for his fusion records, but has proven on a few occasions that he can also play more straight-ahead. He originally played piano and drums, not starting on guitar until he was 20. After graduating from U.C.L.A. in 1969, Khan moved to New York and worked steadily in jazz, pop, and R&B settings, including with Maynard Ferguson, Buddy Rich, the Brecker Brothers, Joe Zawinul’s Weather Update, and with fellow guitarist Larry Coryell. In 1981, he formed the quartet Eyewitness, which worked on an occasional basis throughout the 1980s. Steve Khan’s most intriguing recordings are a 1980 solo exploration of Thelonious Monk tunes for Novus and a trio outing for Bluemoon named Let’s Call This (1991).

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The Infinite Desire (Telarc 1998)

6 de mayo de 2013 § 1 comentario

Al Di Meola… una guitarra de fusion con muchas caras. Después de su pasaje por Return to Forever me llegó por primera vez con su Elegant Gypsy y después con mayor impacto en Casino; finales de los ’70 y principio de mi acercamiento personal a la música de fusión… camino q me ha traído a los clásicos del jazz, latin, bossa nova, africanos y flamencos… mis preferidos y ahora compartidos en este blog El Jazz que nos une. Recuerdo bien cuando Al Di Meola nos dejó “colgados” en un concierto q tenía programado en un pequeño teatro de Valencia, ya no le dejé marchar de mi horizonte… allí estaba en un apartado especial junto a Chuck Mangione, Chic Corea o Carlos Santana. Buenos discos y recorridos profundos por las entrañas del tango, de la nueva era o del latin jazz. Comenzó grabando en Columbia y lo hizo hasta mediados de los ’80, sus últimas grabaciones con Telarc son excelentes. Destacaré “Invention of the Monsters”… el corte más jazz del disco señalado, con Patitucci, Erskine, Hancock, Adams… LISTEN!

dimeola infinite

dimeola cosmopolitan dimeola electric dimeola elegant dimeola flesh
dimeola land dimeola orange dimeola piazzolla dimeola sinfonia dimeola winter

Guitarist Al di Meola first rose to prominence as a blazing jazz fusion player before his playing matured and he began to conquer other styles, such as acoustic Latin music. Born on July 22, 1954, in Jersey City, NJ,di Meola briefly studied at the Berklee School of Music in Boston during the early ’70s before accepting a job replacing guitarist Bill Connors in fusion trailblazers Return to Forever (a group that included such monster instrumentalists as keyboardist Chick Corea and bassist Stanley Clarke) in 1974. It was with di Meola that Return to Forever enjoyed their greatest commercial success, as such releases as 1974’s Where Have I Known Before, 1975’s No Mystery, and 1976’s Romantic Warriorcracked the U.S. Top 40 before di Meola jumped ship to launch a solo career.

What followed remains some of the finest jazz fusion guitar-based recordings ever: 1976’s Land of the Midnight Sun, 1977’s Elegant Gypsy(which would eventually earn gold certification in the U.S.), andCasino, plus 1979’s Splendido Hotel. di Meola then united with fellow guitar greats John McLaughlin and Paco de Lucía for 1980’s Friday Night in San Francisco. Throughout the ’80s and ’90s, di Meola racked up numerous accolades (including earning yearly top honors in Guitar Player magazine polls), kept on issuing solo releases on a regular basis, and played with others, including releases by Stomu Yamash’ta, Paul Simon, Stanley Jordan, and David Matthews, as well as further work with such former bandmates as Corea, Clarke, de Lucía, and McLaughlin.

 During the ’90s, di Meola turned his back almost entirely on fusion to concentrate more on acoustic-based world music, as evidenced by such releases as World Sinfonia, Di Meola Plays Piazzolla, and Heart of the Immigrants, among others. Since that time, di Meola has continued this eclectic approach with releases like 2003’s Revisited, 2006’sConsequence of Chaos, 2007’s Diabolic Inventions and Seduction for Solo Guitar, Vol. 1: Music of Astor Piazzolla, and 2008’s live album He and Carmen with flutist Eszter Horgas. In 2011, di Meola delivered the Latin and world music-infused studio album Pursuit of Radical Rhapsody, featuring bassist Charlie Haden and Cuban pianist Gonzalo Rubalcaba.

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